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  • 艺术世界中的7天[平装]
  • 共3个商家     21.60元~30.60
  • 作者:萨拉·桑顿(SarahThornton)(作者),何云朝(译者)
  • 出版社:中国人民大学出版社;第1版(2011年8月1日)
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  • ISBN:9787300140193

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    编辑推荐

    《艺术世界中的7天》是由中国人民大学出版社出版的。

    作者简介

    作者:(美国)萨拉·桑顿(Sarah Thornton) 译者:何云朝

    萨拉·桑顿(Sarah Thornton),作家,社会学家。于加拿大蒙特利尔的康哥迪亚大学取得艺术史专业的硕士学位,于格拉斯哥的斯特赖斯克莱德大学缺的社会学博士学位。她是苏赛克斯大学的全职讲师,后在伦敦大学金史密斯学院做访问学者。她早期的作品主要围绕亚文化、媒介和文化传承,近作则聚焦于艺术世界和艺术市场。

    目录

    1.拍卖会
    2.艺术评论课
    3.博览会
    4.奖项
    5.杂志
    6.工作室
    7.双年展
    后记
    致谢
    参考书目

    序言

    《艺术世界中的7天》概括地描述了艺术史
    上的一个重要时期。我写这本书用了五年时间,
    在这五年的时间里,当代艺术日益繁荣,越来
    越多的人涌入博物馆,越来越多的人丢掉自己
    的老本行,开始自称艺术家。艺术品市场不断
    扩大,越炒越热。五花八门的艺术品在赶超潮
    流的同时,价格不断创新高。
    当代艺术界是一个松散的网络,由许多崇
    尚艺术的亚文化群组成。亚文化群遍布全球,
    主要集中在纽约、伦敦、洛杉矶、柏林等艺术
    中心。此外,格拉斯哥、温哥华及米兰等地的
    艺术群体也很活跃。这些地区虽然远离艺术中
    心城市,但是那里的艺术家都愿意留在当地。
    20世纪,巴黎和纽约是绝对的艺术中心。进入
    21世纪,艺术品市场在更多的地区陆续发展
    起来。
    艺术界存在六种占据支配地位的角色,分
    别是艺术家、艺术品交易商、策展人、评论家、
    收藏家和拍卖师。有些业内人士身兼二职,既
    是艺术家又是评论家,或者既是艺术品交易商
    又是收藏家。这些业内人士承认他们的这种双
    重身份不好把握,因为两种身份有时会出现矛
    盾,有时会互相影响。在艺术界,最难达到的
    是成功的艺术家或者叫做可信任的艺术家的位
    置,但主宰艺术界的是艺术品交易商,他们支
    配、引导着另外五种角色,控制着他们的步伐。
    本书中经常提到的艺术品交易商杰弗里·坡
    (Jeffrey Poe)说:“在艺术界,权力不重要,关
    键在于控制。动用权力,那是粗俗的表现;巧
    妙地控制,才是明智之举。控制,从艺术家开始,他们的作品是市
    场运作的对象,但他们在创作之前,必须跟艺术品交易商好好商量
    一下。艺术家与艺术品交易商互相信任,心照不宣。这才是艺术界
    的游戏规则。”
    需要着重指出的是,“艺术界”的范畴远远大于“艺术品市场”。
    艺术品市场中的主角是买卖艺术品的人,包括艺术品交易商、收藏
    家和拍卖行的工作人员。通常,评论家、策展人以及艺术家本人不
    直接参与商业活动。另外,艺术界内的许多人不但从事纯艺术方面
    的工作,而且将他们的业余时间都花在了跟艺术有关的活动上,可
    以说,他们整天都泡在艺术界里。艺术界是一种“符号经济”,人们
    在艺术界里交流思想,重视创意,认为文化价值比赤裸裸的金钱更
    有意义。
    人们经常将艺术界看做没有阶级差别的领域,来自下层社会或
    中产阶级的艺术家可以跟身价千万的基金经理、文质彬彬的博物馆
    馆长、引领潮流的时尚设计师以及“创意天才”一起喝香槟。如果
    你被这种现象所迷惑,认为艺术圈内是平等、民主、不分高低责贱
    的,那你就大错特错了。
    正如汤姆·乌尔夫(Tom Wolfe)所说,当代艺术界是一个
    “名利场”。声望、信誉、臆想中的“历史意义”、所属机构、教育背
    景、表现出的才能、财富、藏品规模等方面决定着圈里人的社会地
    位。当我身处艺术圈的时候,看到所有人都在追名逐利,所有人都
    在往上爬。其中最拼命钻营的是艺术品交易商和收藏家,艺术品交
    易商费尽心机地想在艺术品交易会上搞到一个位置好的摊位,收藏
    家则为能否第一个得到某位艺术家的“杰作”而忧心忡忡。一位名
    叫约翰·巴尔德萨里(John Baldessari)的来自洛杉矾的艺术家讽刺
    道:“艺术家都很有个性,不同情况下能表现出不同的性格特征。有
    时候我会遇到一些人,他们硬要把简历塞给我,还口口声声地宣称
    自己多么多么有才,我很反感。我一直在想,如果能佩戴臂章或者
    肩章,就不会这么烦了。大家去惠特尼双年展(Whitney Biennial)
    或者泰特美术馆(Tate Gallery)的时候,别人就会一目了然。艺术
    家应该像军人那样戴上军衔肩章,这样别人一下子就能知道你的地
    位啦。”
    如果说艺术界还存在一条规则的话,那么这条规则应该是:艺
    术本身最重要。有人坚信这一点,有人对此嗤之以鼻,认为这只是
    冠冕堂皇的幌子。不管怎样,总有一部分人认为艺术以夕卜的世界是
    一个与艺术脱节的肮脏世界。
    我在研究艺术史的时候,有幸接触到了许多近代作品,但我一
    直不太明白这些作品是怎样流通的:为什么有些作品受到了关注而
    频频曝光,为什么有些作品就一直蹲在“冷宫”里无人问津;那些
    受到关注的作品被出售、收藏、展览的过程是怎样的。如今,在世
    艺术家的作品在艺术教育中占有更大的比重,这就需要弄清楚艺术
    品的源头、艺术品的评价过程以及艺术品从工作室到博物馆(博物
    馆、垃圾桶和拥有大量藏品的机构或个人,都有可能是艺术品的永
    久栖息地)的流通过程。某公共艺术收藏机构负责人罗伯特·斯托
    尔(Robert Storr)告诉我:“博物馆的作用就是毁灭艺术品的价值。
    博物馆从市场上把艺术品请进来,把它们变成了公益性的东西。”经
    过研究,我发现伟大的艺术品都不是横空出世的,这些作品不单单
    是由艺术家及其助手共同创作的,同时也是由艺术品经纪人、策展
    人、评论家以及收藏家共同成就的,没有他们的“支持”,再优秀的
    作品也无法“伟大”起来。这并不是说艺术品本身不伟大,也不是
    说艺术品没有资格进入博物馆,完全不是这个意思。我的意思是,
    艺术品不像大家想象的那样简单,但也不像大家想象的那样神秘。
    当代艺术已经变成了无神论者的一种信仰,这是本书的一个观
    点。弗兰西斯·培根曾经说过,当人认识到自己仅仅是茫茫宇宙中
    的一粒尘埃时,他只能“超脱一小段时间”,很快,他就会苏醒过来
    坠入尘世。培根说:“美术,或者说艺术,已经完全沦为人们的一种
    消遣方式……艺术家必须想方设法地取悦大众。”对于许多艺术圈内
    人以及狂热的艺术爱好者来说,艺术就是新奇的想法,有了新奇的
    想法,他们的存在才有意义。这种观念与宗教信仰存在一定的冲突,
    但符合因果论者的思路。教堂等宗教场所具有特定的社会功能,艺
    术活动也同样具有特定的社会作用,它使存在共同利益的人们产生
    一种归属感。当埃里克·班克斯(Eric Banks)离开一家艺术杂志社
    去编辑一本文学评论杂志的时候,他觉得艺术界里的社交行为往往
    会有意想不到的收获。他说:“人们在观赏艺术作品的时候,确实会
    展开讨论。但如果我读书,比如读罗贝托·波拉尼奥(Roberto
    Bolano)的小说,几乎就没有人跟我讨论。阅读不仅需要很长时
    间,而且整个阅读过程都是一个人进行的,而艺术可以在很短的时
    间内催生出一个群体来。”所以,跟文学相比,艺术具有较强的社交
    功能。
    艺术界是一个拥有虔诚追随者的社会群体。尽管艺术界的人士
    自命清高,但他们还是在乎大多数人的意见,仰仗某位名家的积极
    评价或某位批评家的评论。同时,尽管艺术界崇尚标新立异、颠覆
    传统,但艺术家的一些行为方式仍然因循守旧、墨守成规。艺术家
    创作一些“看似艺术”的东西,他们的行为从不破坏规则,相反,
    他们维护、遵从着业内既定的规则。公共艺术收藏机构的管理人员
    始终迎合着同行和上司的口味。收藏家成帮结伙地购买时尚画家的
    作品。批评家不时地抬头看看“旗帜”飘动的方向,以便“与时俱
    进”。一部分人斗胆创新,但不是所有的创新都能得到回报。只有为
    艺术献身的人站出来,其他人才有了存在的理由。
    本书写于艺术品市场空前繁荣的时期。为什么在过去的十年中,
    艺术品市场的发展如此迅猛?要回答这个问题,恐怕得先回答另一
    个相关的问题:为什么艺术越来越热?书中好几个地方都试图回答
    这个问题,我不妨在此直截了当地给出自己的答案。第一,人们受
    教育的程度越来越高。随着文化水平的提升,人们开始关注具有更
    多文化内涵的事物。艺术可以激发想象力,可以活跃人们的思维、
    陶冶人们的情操。由于文化领域中的部分产业江河日下、风光不再,
    相当多的人把目光转向其他地方,期望得到出乎意料的收获。第二,
    尽管受教育水平越来越高,但人们的阅读量却越来越低。电视节目
    或网络视频充斥着整个文化领域。尽管有些人悲叹地将它们称为
    “次级口头表达形态”,但其他人还是热衷于“视觉文化”的说法,
    因为他们看到的东西不仅在感性上,而且在理性上都使自己得到了
    愉悦。第三,随着全球化的发展,艺术跨越了国界,成了全球通用
    语言,将世界各地紧密地连接在一起。
    艺术品越来越热的另一个原因是昂贵,或者说奢侈,这很有讽
    刺意味。天价吸引了媒体的高度关注,于是舆论将艺术品定位为奢
    侈品,相应地也抬高了某件艺术品拥有者的社会地位。在过去的15
    年里,全球最富有的那部分人掌握了更多的财富,亿万富翁层出不
    穷。全球著名拍卖公司佳士得拍卖行的艾米·卡布拉佐(Amy Cap—
    pellazzo)说:“在拥有了几套房子,又穿上了名贵西装之后,你会
    干点什么?艺术品是个不错的选择,总得玩点儿高雅的吧。”如今,
    收藏、囤积艺术品的人大幅增加。2007年,佳士得拍卖了793件艺
    术品,每件成交价都在100万美元以上。在数字化时代,文化产品
    的复制十分简单。在这种技术背景下,独一无二的艺术品几乎就成
    了像房地产一样的不动产,不会说没就没,不会贬值到离谱的程度。
    以前人们可能没有想到自己会去拍卖行购买艺术品,现在拍卖行的
    艺术品拍卖会上人头攒动,人声鼎沸。拍卖会加快了艺术品的“市
    场流通速度”,其火爆场面似乎在告诉人们,当代艺术品是一个很有
    前途的投资领域。
    尽管有些收藏家对艺术品价格的暴涨叫苦连天,但艺术品市场
    的表现依然强劲,许多博物馆的营业面积也急剧扩大。更多艺术家
    的生活水平得到了切实提高,少数艺术家甚至已经超过娱乐明星了。
    批评家都在绞尽脑汁地用文字填满不断扩大的刊物版面。博物馆的
    管理人员纷纷跳槽,在艺术界寻求收入更高的职位。但艺术品市场
    的繁荣也给一些人敲响了警钟,他们担心市场定价会误导公众审美,
    掩盖客观批评、艺术奖项及博物馆藏品选择对艺术品的评价作用,
    希望人们不要一味地推高价格。就连务实的艺术品交易商也会告诉
    你,赚钱只是艺术的副产品,不是艺术的终极目标。艺术要想继续
    生存,要想保持其高于其他文化形式的地位,就需要找到一种动力,
    这种动力绝对不能是利益,而应该是比利益更有意义的东西。
    由于艺术界的组成部分是多元化的,艺术界内的活动又不透明,
    甚至有点神秘,因此很难概括艺术界的特征,也没有人能够彻底看
    透这个领域。此外,进入艺术界也不是一件容易的事。我在五个国
    家的六个城市进行了调查研究,把我的研究成果写进了本书的七个
    部分,试图描绘出艺术界的深度和广度。本书每一部分都是真实生
    活场景的描述,希望能让读者身临其境地感知艺术界人士的生活方
    式,从而了解整个艺术界。我作为参与者,观察了艺术界很长时间,
    采访了许多人,几乎每个故事都是根据三四十个人的采访素材写成
    的。通常,这种研究形式叫做“默不作声的观察者”,我则属于“亲
    身参与的观察者”。我在参与的同时,好奇地观察着艺术界。偶尔也
    会冒昧地闯入艺术界人士的秘密领域想一探究竟,但我的行为从来
    没有对其他人构成威胁。
    书中的前两部分呈现出了对立的两极。“拍卖会”部分翔实地记
    录了佳士得拍卖行在纽约洛克菲勒中心(Rockefeller Center)举行
    的一场拍卖会的过程。拍卖领域拒绝艺术家的参与,拍卖行为实际
    上是艺术品的终结,有人说拍卖会就是艺术品的太平间。“艺术评论
    课”部分记录了加利福尼亚艺术学院一场生动活泼的艺术研讨会。
    加利福尼亚艺术学院是艺术家的摇篮,学生在学习艺术的同时,也
    会学习艺术界业内的基础知识。拍卖会与艺术院校相去甚远,拍卖
    大厅里的价格和竞争似乎远离财政吃紧的艺术院校。但要想弄清艺
    术界的运作机制,就必须了解艺术界中这组对立的两极。
    同样,“博览会”部分与“工作室”部分也存在对立关系。前者
    是消费环节,后者是生产环节。工作室是了解艺术家创作过程的理
    想场所;博览会上拥挤的人群和令人目不暇接的展品足以让人们领
    略艺术界的繁荣。“博览会”部分描述了瑞士巴塞尔国际艺术博览会
    开幕当天的盛况。巴塞尔国际艺术博览会是艺术界的重要活动,它
    推动了艺术的国际化发展,并确立了艺术界定期举办艺术活动的常
    规机制。“工作室”部分描述的主角是日本艺术家村上隆(Takashi
    Murakami)。在巴塞尔国际艺术博览会上,他曾把自己打造成一个
    雕塑的形象。村上隆在日本有三个工作室和一个铸造厂,他一心想
    让自己的工作室超过安迪·沃霍尔(Andy Warhol)的“工厂”。村
    上隆的工作室不仅是艺术家创作的场所,而且是他实现艺术梦想的
    舞台。同时,该工作室还是他同博物馆管理人员与艺术品交易商洽
    谈的平台。
    “奖项”部分与“杂志”部分围绕辩论、判断和公众关注度展开
    叙述。“奖项”部分介绍了英国特纳奖(Turner Prize)颁奖典礼的
    现场情况。该奖项的评委会由泰特美术馆董事尼古拉斯·叙罗塔
    (Nicholas Serota)监督,评委会从四名最终确定的候选艺术家中选
    出一名优胜者,颁给他2.5万英镑的奖金,整个颁奖典礼通过电视
    进行现场直播。这一部分探讨了艺术家之间竞争的本质和荣誉在艺
    术家职业生涯中的作用,以及媒体与博物馆之间的关系。
    “杂志”部分列举了针对文艺批评的不同见解。我观察了专业杂
    志《艺术论坛》(Art forum)编辑的工作状况,与《纽约时报》的罗
    伯塔·史密斯(Roberta Smith)等一批有影响力的评论家进行了对
    话,还深入采访了一些艺术史学家。此外,本部分还分析了杂志封
    面和新闻评论是如何让艺术和艺术家在艺术史上留下印记的。
    最后一部分“双年展”叙述了我参加威尼斯双年展的经历,这
    是历史最悠久的艺术展会。威尼斯双年展似乎应该是一个度假场所,
    一个让人放松的地方,但它实际上是一个相当忙碌的社交场合,以
    至于人们都无暇顾及艺术品,只有一些博物馆的工作人员关注艺术
    品本身。在此,我要向这些工作人员表示敬意。记忆,给当代艺术
    赋予了意义,也给艺术品价值判断的后知后觉带来了灵感。本部分
    还着重思考了记忆在艺术世界中的重要作用。
    尽管《艺术世界中的7天》篇幅不长,却耗费了我许多心血。
    在以往的民族志学(ethnographic)研究项目中,我假扮一个广告公
    司的“品牌策划师”进行研究工作,并沉浸在伦敦夜总会绚烂的夜
    生活中。坦率地说,我当时非常喜欢这种环境,狂热地爱上了这种
    生活方式。但后来,我觉得有点累。在研究艺术界的过程中,尽管
    工作十分辛苦,可我还是觉得艺术界很神奇。对我来说,这个世界
    具有很强的诱惑力。一个原因是艺术界非常复杂,另一个原因是艺
    术模糊了工作和娱乐的界限、国家与国家的界限、文化与经济的界
    限。因此,我觉得艺术界就是未来社会的雏形。尽管许多艺术界人
    士以诋毁艺术界为乐,但我还是赞同《艺术论坛》发行人查尔斯·
    瓜里诺(Charles Guarino)的话:“我觉得艺术界的人同属一个同宗
    同族的大家庭,成员中有许多天才、怪才,接受了太多的教育,他
    们似乎生不逢时,与这个时代格格不入,他们放荡不羁,有时甚至
    无法无天。我喜欢跟这群人待在一起。”最后,即使人去楼空,房间
    里也到处弥漫着艺术的气息,令人心旷神怡。

    后记

    除了四位收藏家和一位在拍卖行的竞拍委托人要求匿名外,本
    书中提到的人物均为他们的真实姓名。
    为达到叙述的流畅性,我有时觉得有必要使用“空间置换”的
    方法,将电话中的对话内容转换成艺术界中的真实“现场”采访。
    本书描述的各个事件发生的真实时间如下。“拍卖会”:2004年
    11月10日(星期三);“艺术评论课”:2004年12月17日(星期
    五);“博览会”:2006年6月13日(星期二)(有些人是在2004年6
    月15日后陆续遇到的);“奖项”:2006年12月4日(星期一);“杂
    志”:2007年2月14日(星期三);“工作室”:2007年7月6日(星
    期五);“双年展”:2007年6月9日(星期六)。
    民族志学的写作风格源于人类学,目的是对社会和文化现象进
    行整体性的描述。其主要研究方法是“参与性观察”,包括一系列的
    定性工具,例如处在真实环境中的直接感受、视觉观察、倾听、采
    访及材料分析等。婴儿通过观察和尝试能够学会走路和说话,参与
    式的观察者通过自觉的融入和自省的理解能够对所观察的事物有比
    较全面的了解。

    文摘

    版权页:



    1.拍卖会
    伯奇倚在黑色的木制拍卖台旁边,用英国口音开始练习喊价。“100万一次,100万两次,100万三次。这是艾米的竞拍人在电话中的出价。各位先生,你们没有出价。各位女士,你们也没有出价。他脸上露出了笑容,“140万,后排的一位女士给出了140万……150万,这位先生出150万!谢谢!”伯奇看了看放电话的地方,工作人员两个小时之后才会把电话摆在那个位置。眼睛往电话看的同时,他心里在揣摩是否再继续等待加价。他耐心地等了一下,确认电话那边的竞拍人不再加价后,把头转向台下的那两位竞拍人,他想看透这两个人的心思,想知道他们还会不会给出更高的价格。他用温和的语气说道:“还有加价的吗?150万美元,这幅画属于过道边上的这位先生!”话音刚落,他举起拍卖槌果断地敲了下去,声音短促有力,吓了我一大跳。
    参观的人中有一个身材娇小的策展人,她穿着低腰的黑色牛仔裤,肚脐若隐若现。她对沃伦作品的总体评价是:“这些女性化的雕塑作品陶醉在扭曲和退化之中,体现了作者非凡的创造力。”她说沃伦的创作受到了R.克伦布、埃德加·德加和奥古斯特·罗丁的影响。但是新闻界的人似乎不买沃伦的账,他们觉得这些东西毫无亮点可言。一位记者自言自语地说:“未烧制的黏土?究竟是没有完全烧透还是干脆就没有烧?到底是什么玩意儿啊?”有一次萨奇画廊展出了沃伦一个系列的作品,那次展览让我记忆犹新,整个展厅里堆满了没有头的女性身体,每件雕塑品的乳房和臀部都特别大。我跟身边英国广播公司第四频道的一位主持人谈起那次展览,他立刻愤怒地说:“那些屁股和胸简直是破烂!”我说沃伦为这次展览制作了全新的人体雕塑,也许我们应该花点时间细细体会一下。他说:“我对这些东西已经没有感觉了,就跟我对头疼已经没有反应了一样。”
    艺术家最有新闻价值的事件是作品卖出高价和荣获大奖,这两样东西是不可动摇的、铁一般的事实,对艺术家成就的评价具有不可估量的意义。英国的媒体对“这是艺术吗?”这个问题乐此不疲,而且他们发现他们根本无法避开与性有关的内容。沃伦展厅内的摄影记者看到灰色黏土上高耸的胸部和突起的乳头,立刻兴奋起来,拿着相机照个不停。但是文字记者很不高兴,他们接到消息,说沃伦和提名候选人中的另一位女艺术家托马·阿布斯不愿意接受任何采访。之前,我联系了沃伦在伦敦的一位交易商,他告诉我:“只要你不公布谈话内容,她就会见你。”但他的许诺后来变成了“看看吧”,最后又成了“抱歉”。之后我又给一个熟人打电话,他是沃伦比较亲密的朋友,我让他帮我说说话。但是他最后告诉我:“她现在没有必要见你了,因为她肯定能赢。”